展览：写生（En Plein Air）

时间：2019年4月-2020年3月

地点：切尔西高线公园，纽约 | Chelsea High Line Park, New York

参展艺术家：薇薇安·苏特（Vivian Suter）

 

展览：第58届威尼斯双年展——但愿你活在有意思的时代（58th Venice Biennale—May You Live in Interesting Times）

时间：2019年5月11日-2019年11月24日

      地点：威尼斯，意大利 | Venice, Italy

      参展艺术家：安妮卡·易（Anicka Yi）

 

葛雷斯达• 波洛克与罗西卡• 帕克曾在著作Old Mistresses: Women, Art, and Ideology中说:“对女性与艺术的历史认知，是认识美术史的一部分。”自18世纪末到20世纪初以来，女性主义运动发展经历了漫长而缓慢的过程。近年来，这一潮流再度成为热议话题，让女性艺术家无论是在艺术市场中还是学术界都获得了广泛关注。然而，并非每一位女性艺术家都会将自己定义为“女性主义”。近期活跃于国际舞台上的格莱斯顿画廊代理艺术家薇薇安·苏特（Vivian Suter）和安妮卡·易（Anicka Yi），就以截然不同的创作方式诠释出了截然不同的女性视角与创作态度。

薇薇安·苏特（Vivian Suter）

“写生（En Plein Air）”展览现场，2019年4月-2020年3月，纽约高线公园

图片由纽约高线公园、格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

安妮卡·易（Anicka Yi）

“但愿你活在有意思的时代”展览现场，第58届威尼斯双年展, 2019.05.11－11.24

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

 

在迁徙中获得艺术创作的灵感

薇薇安·苏特（Vivian Suter）个展现场，格莱斯顿画廊纽约空间，2019年4月11日-6月8日

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

阿根廷-瑞士艺术家薇薇安·苏特1949年出生在阿根廷布宜诺斯艾利斯郊区，后随家人搬到瑞士巴塞尔居住，并于17岁进入艺术学校学习。早期她的画作紧凑而有条理，后因材料而让笔触变得更松散，颜料更薄，创作过程也更加自由。从那时起，苏特开始使用以通风、重叠的方式悬挂作品。她说：“我不想在我的创作开启之前提出一个概念，我想让这幅画向我展示，而不是强迫自己走另一条路。”早在20世纪70年代，苏特就在瑞士巴塞尔举办过自己的第一次个展。

1980年代初，苏特来到危地马拉阿提特兰湖，彼时刚过30岁的她花费了几个月的时间独自驾车穿越中美洲，游览了中美洲的废墟。而她危地马拉之行的目的是参观玛雅蒂卡尔（Mayan Tikal）建筑遗址。直到与阿提特兰湖（Lake Atitlan）相遇，气势磅礴的自然景观给她带来无限勇气和力量，“我对这个湖很有感情，我不敢去看。”她回忆道。自此开始，她在这里已经生活了30余年。危地马拉雨林周遭的自然环境给予她创作的灵感，大量原始而生动的绘画也由此诞生。苏特喜欢在户外快速而专注地工作，用炽热的笔触和半透明的颜料涂刷，浓密的缤纷色彩来自她工作环境中的热带环境的彩色精华。她的作品融汇了周围自然环境的不可预测性，也是因此，她创造出全新的“风景绘画”概念。她的绘画并非对环境进行直接写实性描述，而是从持续的抽象实践中提炼出的姿态。太阳、暴雨、风、树木等自然景观经常出现在她的画面中，而腐土、动物、雨水及植物留在画布上的痕迹也成为了作品的一部分。苏特的创作打破了不同物质的价值等级制度，平等地对待艺术创作材料与自然生态世界。

安妮卡·易（Anicka Yi）

“我们从未个人过（ We Have Never Been Individual ）”个展现场，格莱斯顿画廊布鲁塞尔空间，2019年4月13日-5月25日

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

1971年出生于韩国的艺术家安妮卡·易（Anicka Yi）在2岁时随家人移居美国，她坦言自己从未想过要去专业的艺术学校学习。在25岁时，她搬到了相对陌生的纽约，通过工作项目和一些时装设计师和艺术家成为了朋友。直到35岁左右时，易才找到自己的方向，开始创作艺术，并于2008年开始参加展览。她曾在一次与《纽约时报》的采访谈到第一次艺术创作时说：“还好我没有在创作时被艺术史中的条条框框压得喘不过气”，她把自己的艺术首次尝试描述为“纯粹发自内心的、富有成效的天真”。

政治、情感、社会制度上的性别歧视，艺术界本身公认的权力结构都是她所关注的议题，而科学和气味是她创作的核心。奶粉、抗抑郁药、棕榈树精华液、海藻、袜子、漱口水、干虾……易使用非传统材料进行创作，并且通过复杂的化学实验过程创作作品，在其中探索了许多互相排斥的材料之间的关系。易首次展出令其被广泛关注的气味作品是在2015年，她从100位女性朋友身上收集细菌样本，并以此培育细菌群，她与麻省理工大学的生物学家合作，创造出“一种虚构的超级细菌”，并合成香水，与“由男性主导的社会空间气味”混合。用易的话说，她把这种“超级细菌”用作颜料，她也将这样传播的语言重新定义为女性潜能的象征。在她的创作中，气味是她独特美学系统的重要组成，她以其作为在被视觉统治的美学史中提炼出的新元素，让观众长期被视觉感知经验所控制的感官体验得以被重新规划。

场域中的身体体验

对于这两位艺术家来说，他们在创作中所强调的场域概念同样是不可忽视的。薇薇安·苏特和安妮卡·易的创作，同样从各自记忆的生命体验出发，邀请观者进入艺术家所营造的场域，并通过自己身体的感官去直面、体验艺术家的创作。

薇薇安·苏特（Vivian Suter）

“写生（En Plein Air）”展览现场，2019年4月-2020年3月，纽约高线公园

图片由纽约高线公园、格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

薇薇安·苏特（Vivian Suter）个展现场，格莱斯顿画廊纽约空间，2019年4月11日-6月8日

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

在创作中，苏特常用色彩将观众淹没。她强调在展示中再现每一张独立作品与其它作品的关联，也惯于在展示中再现她处理、储存绘画的简单结构。在她的创作中，尺幅巨大而风格多元的作品咄咄逼人，让观者本能地感受色彩、重量、空间关系不停改变和流动。在其于格莱斯顿画廊纽约空间举行的同名个展中，艺术家的画作被布满在展厅墙面、地面及天花板，邀请观者进入由图像所构造的场域。而于纽约高线公园（High Line Park）正在举行的展览“写生（En Plein Air）”中，苏特的创作巧妙呼应并重新定义了展览的“写生”主题。艺术家选择将其不带框架的绘画作品以垂坠悬挂的方式依次排列，置于户外的作品与一年四季的自然色彩变化相呼应，旨在将艺术观看体验转换为一种沉浸式冒险体验。犹如英国的巨石阵（Stonehenge）带给人们的观感，她的作品以“纪念碑式”的尺幅营造出足以唤起人们原始直觉意识的感官,置身于大自然中，创造她想要的艺术和世界——“这，是我赋予自己的自由,”苏特这样说道。

安妮卡·易（Anicka Yi）

“但愿你活在有意思的时代”展览现场，第58届威尼斯双年展, 2019.05.11－11.24

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

安妮卡·易（Anicka Yi）

“我们从未个人过（ We Have Never Been Individual ）”个展现场，格莱斯顿画廊布鲁塞尔空间，2019年4月13日-5月25日

图片由格莱斯顿画廊（纽约、布鲁塞尔）提供

如果说苏特的创作在空间的场域中构建了对于危地马拉的遥远想象，安妮卡·易在格莱斯顿画廊布鲁塞尔空间举行的个展“我们从未个人过（ We Have Never Been Individual ）”以及其于第58届威尼斯双年展“愿你生活在有意思的时代”（May You Live in Interesting Times）中展示的新作,一同构建了关于地球上所有生命共生关系的时间与记忆的场域。其于军械库（Arsenale）展厅展示的作品时一系列貌似被皮革的褐藻缠绕的发光球体，这些悬挂的球体以其流动的姿态构成了一条“藻河”，提醒观者去关注藻类这一地球上生态量最为庞大的植物种类强大又富有变化的特性。她在绿园城堡（Giadini）展馆展示的作品则使用了呈几何形式的光鲜亚克力板材料，其中蕴含了微生物及藻类生态系统和一个人工智能系统所需的电子元件。作品中的机器系统和有机体以一种别样的方式共存，共同构成了一种可变的“生命体”。从创作之初，易就想让作品“完全充满自己的所有感官”。体液、生命孕育过程及疾病等作为人类共同面对的主题被易以微型生态反应堆般的一系列活体绘画作品展现，而极简样式的微藻类及蓝细菌海底景观指向人类将藻类当做主要食物及能源的可能性，并暗示了未来更为紧密的共生关系。易常在创作时与各地的研究人员交流，“我们的工作非常相似，”易会将艺术家比作科学家。“只是我们的工作时间几乎是相反的：科学家有他们的假设，然后在接下来的20年或30年的职业生涯中试图证明它；而艺术家直到他们的职业生涯结束才会真正理解他们的假设是什么。”

对于这两位生活背景迥然不同、创作方式与内容也大相径庭的女艺术家来讲，她们在创作中打破了常规的禁锢，证明了艺术创作可以到达的更广阔边界，也是对当今当代艺术界丰富景观的一次回应。

      格莱斯顿画廊（纽约，布鲁塞尔）于1980年创立于美国纽约曼哈顿，创始人为全球最具影响力的画廊主之一芭芭拉·格莱斯顿女士（Barbara Gladstone）。格莱斯顿目前在全球拥有4个空间，分别位于美国纽约与比利时布鲁塞尔，是国际艺术界的最为权威的画廊之一。近40年来，格莱斯顿画廊在全球保持着超群的国际视野和独特的前瞻性，是众多重要艺术家创作的推动者。

      格莱斯顿画廊代理的艺术家涉及多种创作媒介，包括影像、装置、绘画与雕塑等，这些创作讨论了丰富的社会议题，给予现当代艺术史更为层次多元的解读。画廊代理的艺术家包括：马修·巴尼（Matthew Barney）、伊丽莎白·佩顿（Elizabeth Peyton）、凯·阿尔特霍夫（Kai Althoff）、施林·奈沙（Shirin Neshat）、托马斯·赫赛豪恩（Thomas Hirschhorn）、艾米·希尔曼（Amy Sillman）、菲利普·帕雷诺（Philippe Parreno）、卡罗尔·杜汉姆（Carroll Dunham）、吉姆·霍奇斯（Jim Hodges）、维克多·曼（Victor Man）、阿罗拉和卡尔萨迪拉（Allora & Calzadilla）、RH·奎特曼（RH Quaytman）、萨拉·卢卡斯（Sarah Lucas）、罗斯玛丽·特洛柯尔（Rosemarie Trockel）、达米安·奥尔特加（Damián Ortega）、西普里安恩·盖拉德（Cyprien Gaillard）、安德罗·维库亚（Andro Wekua）、郑曦然（Ian Chang）和乌戈·罗迪尼（Ugo Rondinone）等；画廊也代理包括罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe）、凯斯·哈林（Keith Haring）及马里奥·梅茨（Mario Merz）等重要艺术家的基金会与艺术遗产等。目前，格莱斯顿画廊代理的中国艺术家包括黄永砯和郭凤怡（1942-2010）。

      自创立至今，创始人芭芭拉·格莱斯顿女士与代理艺术家建立了牢固的关系和深厚的信任，这也是画廊坚实发展的重要基石。作为当代艺术界最具有影响力与话语权的画廊主之一，芭芭拉·格莱斯顿女士除了经营画廊外，也作为一名国际知名的电影制片人，参与制作了包括马修·巴尼和施林·奈沙等多位重要艺术家的重量级电影作品。

      作为格莱斯顿画廊的合伙人，麦克斯·法尔肯施泰因（Max Falkenstein）自加入画廊的15年来，在代理艺术家的国际化以及画廊在亚洲的推广中做出了重要贡献；同时，法尔肯施泰因也是打造格莱斯顿画廊全球版图——布鲁塞尔画廊空间的推手。画廊的另一核心人物蔡秉桥（Paula Tsai）女士自2015年起开始担任画廊总监，她曾于北京尤伦斯当代艺术中心（UCCA）担任首席策展人一职，是艺术史及专业策展领域的资深专家。蔡秉桥女士对于亚洲艺术界全面深入的洞察也进一步推动了格莱斯顿画廊的发展。

 

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